Gesell - Planes para el viaje

Hemos decidido ir con una idea planeada desde acá ya que conocemos bastante bien el lugar y al ser un poco lejos quizás es dificil lograr una exploración profunda para llegar a un buen resultado. Vamos a viajar este fin de semana con el siguiente plan de ficción.

Nos inspiro "A scene at the sea" de Takeshi Kitano en la temática del surf y su particular humor sórdido.

El lugar va a ser las dunas del norte, con el menor rastro de civilización.

La situación, un personaje que no se sabe de donde viene ni a donde va pero que practica el deporte del surf, está aprendiendo y le cuesta pararse en la ola. Se encontrará con un maestro que le guiará.

La forma será lo más cuidada posible, encuadres clásicos, gran prof de campo (quizás planos abiertos).

Sonido ambiente del mar y la playa, sumado  a música instrumental incidental original pero no tan ambiental, sino más bien un leitmotiv que se repita en ciertos momentos. Algo más bien como la maravillosa guitarra de Neil Young en "Dean Man" de Jim Jarmusch.

A continuación ambos personajes (el segundo gesellino)

Elías "El Surfer"

Carlos "El Gurú"

Guión. FALTA CONSTRUIR MEJOR LA RELACIÓN ENTRE AMBOS PERSONAJES Y PENSAR LOS DIÁLOGOS QUE POR AHORA SON POCOS Y ACCESORIOS

Dogma 14 (las reglas están para romperse)

-Todos los planos serán fijos y con encuadres MUY cuidados.

-No se verá en ningún momento algún registro de civilización, ya sea tacho de basura, edificio, lugar del guardavidas, cable, etc.

-Habrá diálogo sólo cuando sea de vital importancia y ayude a la comprensión del corto y/o a la construcción del “humor serio”

-Se tendrá en cuenta la posibilidad de doblaje en post producción

-Se permite el uso de música extradiegética preferentemente incidental pero con motivo musical de leitmotiv.

ESC 1

EXT/PLAYA/DIA

Elias entra a la playa con su tabla de surf, se pone el neopreno, estira los músculo y entra al agua.

Una vez adentro espera pacientemente una ola. Vemos que deja pasar la gran mayoría esperando la ola indicada, esto dura varios segundos.

En un momento se decide y comienza a remar y cuando se intenta parar se cae ridículamente.

Las caídas se siguen produciendo el resto de la tarde.

EXT/PLAYA/ATARDECER

Elias sale del agua cansado y se interna en el bosque.

Fundido a negro

Se debatirá más adelante si se incluye el bosque.

Debatir si damos a entender que va directamente a ver al gurú y hacer elipsis con la noche o duerme en un lugar específico.

EXT/DESIERTO/DIA

Elias sale del bosque  y se comienza a caminar por el desierto con su tabla de surf.

Muchos planos de elías en la inmensidad. Sol. Calor. Horas de caminata. Sonido de ave carroñera característica del desiert

Elias divisa a una persona a lo lejos. Se frota los ojos, vuelve a mirar, y se dirige hacia ella.

Cuando llega vemos que el personaje es el gurú vestido con una túnica.

Elías se agacha, pone su tabla de surf frente a él, y baja la cabeza O dice algunas palabras sobre su problema (a discutir).

El gurú le dice una frase o no, puede ser algo subjetivo. Ej: “Las olas son como los caballos, puedes domarlas, pero nunca poseerlas“.

El gurú estira sus manos hacía Elías y a Elías le cae un baldazo de agua.

Cuando Elías abre los ojos, el gurú ya no está.

Elías se levanta y vuelve sobre sus pasos.

EXT/PLAYA/DIA

Al otro día vemos a Elías volviendo a internarse en la playa.

(No se muestra toda la previa del calentamiento y el neoprene)

Y en el mar, concentradisimo, espera la ola que lo hará un surfer profesional.

Cuando viene la ola, Elías rema con todas sus fuerzas, la toma y se para.

FINAL ALTERNATIVO: Elías intenta pararse o se cae, la cámara lo pierde de vista y lo busca...Elías se hizo uno con el mar...o salió surfeando. Voló.Pararse es desaparecer. Paso a otro plano de la realidad (?)

Narrar es viajar. La inacción en tiempo real como el verdadero lenguaje del cine?

Iremos a Gesell Fochtman, Diaz Cortez y yo. Estaremos levemente atrasados en cuanto al resto, pero nuestra mente ya está allá.

Respecto a la teórica.

Yo compararía el narrar con el viajar como una actividad espacio-temporal con sucesos y transformaciones.

Se presentaron distintos tipos posibles de viajes y sus representaciones audiovisuales. En la literatura, "On the road" de Jack Kerouac podría ser cíclico ya que se vuelve al punto de origen pero lo relevante es estar en constante movimiento. "Narciso y Goldmundo" de H. Hesse puede ser un viaje iniciático por parte de Goldmundo.

Se mencionó que el cine todavía no se puede desprender de la necesidad literaria de narrar sucesos. Yo creo que esto es erróneo, el cine se pudo despegar de la literatura hace mucho tiempo. La necesidad de narrar sucesos e ideas es independiente del lenguaje.

Gabriel Rud, al presentar Honor de cavallería, hizo hincapié que este tipo de cine, pasado el punto de aburrimiento y sumergiendose el espectador finalmente en la obra, constituye un camino donde se aprovecha realmente el lenguaje del cine, en dónde el objetivo es inducir al espectador más bien a un estado contemplativo que a recibir conocimiento. Esta es definitivamente la premisa del cine meditativo y espiritual de Tarkovsky y Bela Tarr, pero no la considero el lenguaje propio del medio audiovisual. Yo creo que la necesidad del cine (sea corto, largo, serie) de narrar acciones y sucesos se corresponde con el estilo de vida que viene llevando el ser humano. Los días pasan y suceden mil cosas, y uno se obliga a que pasen cosas. No meditamos ni observamos una flor un día entero. Ahora bien, la película de Serra puede ser una propuesta de otro tipo de vida en donde "se vive otro estado de ser" a través del arte. Por eso nos choca tanto.

De todas formas no lo tomé como una verdad Rudiana, se la presentó como tantos otros caminos.

TP5: Transposición Lars Von Trier. Link

Pido disculpas por no haber actualizado el blog en este trabajo. Revisar el blog de las colegas Juliana Fochtam y Cecilia Diaz Cortes. Lars von Trier fue estudiado hasta la médula.

Link al audiovisual final:

http://youtu.be/wkXiGA2bvHo

TP4 - Entrega final

Link+Video:

https://www.youtube.com/watch?v=Mq-30dXxUsM&feature=youtu.be

Reflexión:

Intentando imitar a Fantasía nos desviamos a su sátira Allegro Non Troppo, claro que la transposición en MIDI ayudó. Finalmente la música se subordinó a la historia y la imagen y la obra la usamos a nuestra merced.

Respecto a la palabra experimental, sólo puedo decir que experimentamos personalmente ya que ninguno de los integrantes del grupo manejaba los programas de animación computada y los editores de música. Sin embargo, he descubierto funciones valiosísimas que me permitirán experimentar en el futuro para fusionar el lenguaje visual y musical, método unificado de expresión que ya se ha incursionado pero creo que con los avances tecnológicos actuales recién ahora estamos en condiciones para crear música e imagénes en simultaneo.

Aquí una bizarra interpretación visual de la hermosa obra de Debussy "Preludio a la siesta de un fauno" (si alguna vez se termina de subir):

https://www.youtube.com/watch?v=7l70_S9pnlQ&feature=youtu.be

Y otra que ya está subida, de la primer obra maestra de Stravinsky, de la misma película:
https://vimeo.com/23841509

TP4 - Pre-entrega

https://www.youtube.com/watch?v=Mx_6Yz_3gZw&feature=youtu.be

TP4 EME - Primeras plasmaciones

En los links anteriores vemos algunas ideas representadas audiovisualmente, sin articular, con mucho trabajo por delante. Pero sirven para probar una pizca del plato venidero. Las ideas musicales por separado.

https://soundcloud.com/nicolas-failla/sets/davi-tp4-eme-el-gnomo-musicas

Foto del receso

Teóricas - Sobre la "Zona del confort" y el "Dispositivo ideológico"

Fue muy provechoso el abanico de técnicas de animación mostradas por el expositor, sin embargo creo que el quid de la cuestión fue la "zona del confort" con la que denominaba a todo acto creativo que no amplia los límites del lenguaje.

El paradigma actual de ser un artista original (curiosa la etimología de original, que se relaciona con el origen) implica derribar lenguajes previos y explorar nuevos. Esto se relaciona directamente con la paranoia del artista que cree que los lenguajes existentes estan condicionados por la "dispositio" establecida, la sociedad, y que utilizarlos implica usar el lenguaje impuesto por el sistema establecido, paranoia que considero acertada.

Es por eso que los artistas exploran nuevos lenguajes en cuanto no se sienten en sintonía con el sistema en que viven. Los iconodulos no buscan nuevas formas de representar el misterio de la Encarnación. Repiten su lenguaje porque les sirve en su búsqueda de revivir el acto divino. Es por eso que los lenguajes cambian cuando cambian los paradigmas culturales, asi como los contenidos a expresar.

Creo necesario abordar la relación entre lenguaje y contenido. El lenguaje, (superficialmente la técnica, la manera que se combinan las unidades simbólicas), es la forma que alberga el contenido. Nuevas formas conllevan nuevos contenidos y viceversa. Por ejemplo, la academia musical explora la forma y encuentra el contenido y el ser autodidacta emana el contenido amoldandosé la forma a este último. Schoenberg descubre nuevos contenidos a través de su lenguaje "atonal", contenidos que por si solos probablemente no se hubiesen creado. Jimi Hendrix se inspira en la psicodelia expresando contenidos que encuentran su forma a través de sus dedos y su guitarra. Puedo atisbar que el artista que prioriza el contenido concibe el instante creativo como una expresión interior y que el artista que prioriza la experimentación lingüistica busca nuevos contenidos para interiorizar en su ser.

Entonces, el quid de la cuestión radica en preguntarse porque explorar nuevos lenguajes. Quizás una respuesta puede ser que el mundo actual tiene mucho por cambiar y una manera de vivir el nuevo mundo, o experimentarlo, saborear su posible libertad, es justamente a través del arte rupturista. Un lenguaje nuevo ES el nuevo mundo. Tarkovsky VIVE su utopía espiritual. Podemos expresarnos en lenguajes viejos y satisfacernos o transmitir ideas comprensibles para los demás. Podemos experimentar lenguajes nuevos y recaer en la experimentación científica expresando un contenido vacío. Pero si nuestros contenidos encuentran nuevas formas por si mismos es porque YA HEMOS CAMBIADO y ya estamos respirando el nuevo mundo.

TP4 - EME - El Gnomo Avances

- Traspolación narrativa

Hemos hecho un análisis de la obra codificada a 5 voces en formato midi teniendo esta partirura como referencia visual (indicando tiempos y alturas tonales).
Luego de imaginar que pensabamos de cada idea en particular (porque la obra son ideas aisladas, con interrupciones bruscas, no con un pulso constante y frases tradicionales) llegamos a la siguiente aproximación narrativa, un poco tirada de los pelos.
El gnomo va a avistar a dos seres humanos teniendo sexo, se va a intrometer entre sus cuerpos chocantes para ser finalmente absorvido por el bulbo femenino. En el cuerpo de la mujer, va a ser empujado entre paisajes orgánicos por una avalancha de esperma hasta llegar al óvulo en donde...quedará atrapado. Final a decidir.
No pensé que iba a llegar a ser tan concreta (y delirante) la narración pero creo que la música en formato electrónico, su tono grotesco (dotado de una oscuridad cómica) y algunos aspectos específicos a representar me resultan interesantes, como el viaje intracorporal.

- Representación
En principio usaremos imágenes fotográficas originales para hacer los fondos. Aquí algunos ejemplos.

Cuerpos

Sábana

Vello púbico

Cuerpo interior, paisajes orgánicos

Óvulo

- Música
Finalmente hemos editado los instrumentos de las 5 voces de la partitura transpuesta en midi, hemos cambiado el tempo y renderizado cada idea por separado para usarlas a nuestro antojo. Eso quiere decir que trastocaremos el orden y timbre de la obra, adjudicándonos de las ideas para adaptarlas a nuestra animación.

TP4 - Técnicas y entradas

Lista de 4 técnicas:

- Animación asistida por ordenador
- Midi
- Sonido Directo
- Sintesis

Entradas
http://proyectoidis.org/isao-tomita/
http://proyectoidis.org/oskar-fischinger/
http://proyectoidis.org/wendy-carlos/

Justamente mencioné en mi entrada anterior a Isao Tomita y Oskar Fischinger. Me encanta la música de Tomita y su entendimiento profundo de los timbres sintetizados y sus adaptaciones de obras clásicas. Wendy Carlos, la andrógina que aportó en ocasiones a la banda sonora de Kubrick realizaba el mismo trabajo. Oskar Fischinger experimentó la relación visual-sonora-musical. Seguramente estos tres artistas influenciarán nuestro trabajo de animación.

TP4 - EME, Hipótesis

-        - Disparador, Hipótesis

Siempre me maravilló la película animada de Disney “Fantasía” y la representación visual de obras musicales clásicas. Investigaremos la relación entre la expresión sonora-musical y la visual, buscando los vínculos se establece entre ambas artes y de qué manera en un futuro se creé pensando en ambos medios simultáneamente.

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       - Música Pura (o Absoluta) y Música Programática

Creo que es indispensable distinguir estos dos estilos musicales para comprender la relación musical-plástica. A partir del romanticismo se divide la expresión musical en dos vías: la música pura, que se aprecia por si misma y no tiene ninguna relación con el mundo extra-musical. La música programática, por el contrario, busca evocar imágenes, situaciones, climas, narraciones. Esta distinción se explica claramente por L. Stokovski en la escena inicial de Fantasía de 1940. Él diferencia también en la música programática la que evoca claramente una narración y acciones, y otra que sugiere más bien un clima o estado de ánimo, emociones. Por eso me interesa la inspiración extra-musical en las obras programáticas y nos proponemos “cerrar el círculo” de alguna obra en particular, intentando reflejar la imagen visual que el autor imaginó componiendo la música. Esto no quiere decir que la música pura no se pueda representar visualmente, pero se cae en un mundo más subjetivo y abstracto, mundo que exploró Oskar Fishinger. Este tipo de representación también nos resulta interesante, quizás mezclemos abstracción y narración.

A continuación una obra programática (también animada en Fantasía) pero animada de manera abstracta, sin ninguna referencia al poema de Goethe y las imágenes que puede evocar.

https://vimeo.com/35735682

-         - Obras musicales programáticas

Pensando en algunas obras musicales que me gustaría “animar”, se me vinieron a la cabeza, “El Mar” de Debussy, “Amanecer” de la sinfonía alpina de R. Strauss, “Sensemayá” de Silvestre Revueltas, que se inspira en un poema de como matar a una serpiente. Estas obras me evocan imágenes mentales muy claras y descriptivas. Sin embargo me voy a decidir por “El Gnomo” de Modest Mussorgsky, el segundo movimiento de “Cuadros en una exhibición”, por su potencia, su duración no tan larga y su intención tan narrativa, ideal para animar al estilo “micky-mousing”, sincronizando imagen y música.

-          - Sobre “El gnomo” de M. Mussorgsky

Mussorgsy escribe “Cuadros en una exhibición” en 1874, obra en un principio para piano y luego orquestada por numerosos músicos. El autor quiso rendir homenaje al reciente difunto amigo y pintor Víktor Hartmann, y compuso la obra escribiendo una pieza para cada cuadro suyo. Existe una pieza con un motivo que se repite entre cada tema, y evoca la caminata en la exhibición, como si estuviesen colgados en un museo. El segundo movimiento fue inspirado en realidad por un juguete misterioso, pintura que hoy se encuentra perdida. Pero escuchándola, uno se imagina un gnomo escapista, pícaro, que se ríe, se esfuma, vuelve a aparecer, comete travesuras.

Hay varias versiones de esta obra, la primera, más cruda, utilizando solo el piano (minuto 1:30):

La más famosa es la orquestada por Maurice Ravel, maestro de la experimentación tímbrica:

El grupo de rock progresivo “Emerson, Lake and Palmer” también adaptó a su estilo la obra en su totalidad, preformada en vivo: 

https://www.youtube.com/watch?v=XXcwymuO_Vg

Isao Tomita, un virtuoso del sintetizador, hizo su versión para su instrumento, que me parece muy interesante. Como explicaremos en técnicas, quizás utilizaremos partituras midi para editar tímbricamente sonidos sintetizados y modificar la obra para un resultado más personal, y muy probablemente nos resulte algo semejante a esto:

-          Referencias visuales

Todavía no sabemos exactamente que vamos a plasmar visualmente, haremos un análisis estricto de la obra para armarnos una idea narrativa. Pero de alguna manera me imaginé algunas pinturas del artista plástico H.R. Giger como fondo en donde se mueva nuestro personaje principal el gnomo. Dado a que en la cátedra recomiendan usar material original, no sé de qué manera vamos a utilizar las imágenes pero por ahora quizás nos sirvan de inspiración. Por otro lado también barajamos la idea de hacer fondos brumosos de bosques capturados de manera fotográfica. 

-          Técnicas

Respecto a las técnicas de animación, pensamos por ahora animar por computadora con algunos programas y técnicas específicas.

Pensamos componer fondos y luego animar el personaje con After Effects

Hay una herramienta de After Effects que vincula imagen y las formas de onda de sonidos que también exploraremos.

Por ahora no vemos que uso le podemos dar a 3DMax o Particule Illusion, un generador de partículas que puede simular nieve, lluvia, fuego, etc., pero quizás más adelante le eocntramos una función.

Respecto a lo musical, pensamos en transcribir la obra en formato midi y editar la obra tímbricamente con sonidos sintetizados. Quizás agreguemos también grabaciones en directo. Aquí un esbozo de esta idea:

https://soundcloud.com/nicolas-failla/el-gnomo-ableton-version-de-prueba

Creemos importante animar en función de la música.